Durante casi un año, los fanáticos de Beyoncé han estado hambrientos de imágenes para su séptimo álbum, Renaissance.
Es un movimiento inusual para una estrella cuya estética visual siempre ha estado entrelazada con su música.
Desde el video de Crazy In Love, que hace estallar chicles y hace estrellas, hasta la exploración de múltiples capas de la infidelidad y la feminidad negra en el álbum visual, Lemonade, siempre ha utilizado la moda y la iconografía para realzar sus canciones.
Así que todos los ojos están puestos en su nueva gira mundial. ¿Cómo representará en el escenario la exploración aventurera de Renaissance de la música de club negra y queer marginada?
Las apuestas son tan altas como la anticipación. Esta es la primera gira en solitario de Beyoncé en siete años, y sus primeros conciertos desde su histórico titular con carga política en el festival de Coachella de 2018.
Entonces, mientras las luces se apagan y las pantallas de video gigantes del ancho del estadio se llenan de imágenes azul cielo, hay una sensación igual de emoción y expectativa de una audiencia que incluye a Dua Lipa, Frank Ocean, Kris Jenner y el esposo de Beyoncé, Jay-Z.
Lo que revela es una explosión intergaláctica de opulencia que derrite los ojos… un viaje dentro de una bola de discoteca que abarca 34 canciones, un caballo volador, múltiples enfrentamientos de baile y robots coreografiados, todo atado al latido del corazón de los ritmos de club de Renaissance.
Pero antes de todo eso, Beyoncé engaña a todos.
Ella abre el espectáculo con cuatro baladas de piano desde el comienzo de su carrera, y ni siquiera son las grandes como Halo o Irreplaceable.
En cambio, el set comienza con Dangerously In Love, una canción de Destiny’s Child que fue reelaborada como la canción principal de su primer álbum en solitario, y continúa con cortes profundos como 1+1 y Flaws And All.
tributo a tina turner
Es una provocación, sin duda, pero también funciona como una obertura al estilo de Las Vegas. Antes de los números coreografiados más exigentes que siguen, Beyoncé es libre de caminar por el escenario, conversar con los fanáticos y leer sus letreros. “¡Es tu cumpleaños!” ella declara. “¡Te amo!”
También hace una pausa para rendir homenaje a Tina Turner, una artista a la que ha llamado en repetidas ocasiones su mayor influencia, tras la muerte de la cantante la semana pasada.
“Quiero que me permitan cantar una de mis canciones favoritas”, dice, presentando una versión lenta y góspel de Turner’s River Deep, Mountain High.
“Te amamos, Tina”, agrega, mirando al cielo.
En poco tiempo, sin embargo, las presentaciones terminaron. La pantalla de video muestra un par de soles en órbita y nos informa que la Beyoncé que acabamos de presenciar ya no existe. Ha renacido, reconectado y transformado en una diva disco cromada de otra galaxia. Una superestrella alienígena.
Ella emerge encerrada en metal, y los brazos robóticos le quitan lentamente el blindaje mientras interpreta la apertura declarativa de Renaissance, I’m That Girl.
A partir de aquí, nos sumergimos en el espectáculo pop, mientras la estrella recorre la sólida lista de 16 canciones del álbum y remodela algunos de sus éxitos clásicos a su imagen.
La mejor secuencia de tres canciones de Renaissance (Cuff It, Energy y Break My Soul) llega intacta, convirtiendo el Tottenham Stadium en un enorme club nocturno.
Los brazos se agitan y las bebidas se derraman mientras Beyoncé y sus bailarines retozan a través de una pasarela circular hacia el centro de la audiencia, con la estrella vestida con un traje iridiscente de David Koma, con botas hasta la rodilla a juego.
Apariencia de hiedra azul
La atmósfera se intensifica con una serie de éxitos más duros, incluidos Formation y Black Parade.
Aquí, Beyoncé actúa encima de un tanque plateado gigante, mientras que su hija de 11 años, Blue Ivy, dirige el grupo de baile al frente del escenario.
Es solo su segunda aparición en el escenario, pero es genial como un pepino, marchando al paso de los profesionales ante la mirada de 60.000 personas.
Cuando la multitud estalla en aplausos, Beyoncé reconoce la respuesta con una radiante sonrisa maternal, un raro vistazo detrás de su perfecto perfeccionismo.
A medida que el concierto avanza hacia el soul y el R&B, Beyoncé muestra algunas impresionantes voces de jazz durante Plastic On The Sofa.
Luego, deja que el público tome las riendas en un exuberante Love On Top, guiándolos en una interpretación a capella de los últimos cuatro coros, cambios de clave y todo, antes de declarar: “Tendré que detenerlos allí o estarían va toda la noche”.
Pero la estrella afirma que su canción favorita del set es el sudoroso y hedonista himno del club Heated, que culmina en un rap frenético dirigido a sus detractores.
“A veces me equivoco con las palabras, así que tienen que ayudarme”, nos dice, aparentemente sin darse cuenta de que todos pueden ver el autocue que la ha estado alimentando con la letra durante todo el espectáculo.
Sin embargo, eso no es una crítica. Hay mucho que recordar en este espectáculo asombroso, donde casi todas las canciones citan otro elemento del catálogo de Beyoncé. El irresistible electro-funk de Virgo’s Groove, por ejemplo, incorpora elementos de otras siete canciones, incluidas Naughty Girl y el clásico Say My Name de Destiny’s Child.
En otros lugares, Beyoncé se quita el sombrero ante Vogue de Madonna, Alright de Kendrick Lamar y Shake Your Body (Down To The Ground) de los Jackson.
Es una carta de amor maximalista a la música dance que nunca se siente forzada o difícil de manejar.
La puesta en escena también adopta el tipo de enfoque de más es más que se ha vuelto necesario para un concierto en un estadio.
En varios momentos, Beyoncé aparece como la Venus de Botticelli en una concha de almeja, como Atenea montando cohetes por el espacio, como la encarnación humana de una vidriera y como una abeja gigante (un guiño a su apodo, Queen Bey).
También hay bailarines saliendo del escenario como cajas de sorpresas, una bola brillante del tamaño de una caravana pequeña, una cantidad fenomenal de brillo y, para el final, Beyoncé volando por el estadio a lomos de un caballo plateado gigante. en un guiño a Bianca Jagger en Studio 54.
Es fantástico, estúpido y alegremente autoindulgente, lo que puede decepcionar a las personas que vinieron en busca del tipo de comentario sociopolítico que Beyoncé entregó en su álbum Lemonade y la actuación posterior de Coachella (las canciones de Lemonade brillan por su ausencia en este repertorio).
Pero hay un mensaje más profundo debajo de la superficie: uno de autoaceptación, tolerancia y libertad de expectativas.
A medida que llega la audiencia, las pantallas de video muestran lo que parece una señal de prueba de TV, pero en realidad son los colores de la bandera del Progress Pride.
Al final del programa, las mismas pantallas se iluminan con una foto de la madre de Beyoncé, Tina, y su “madrina”, su difunto tío Jonny, un hombre gay que era seropositivo e introdujo a Beyoncé en gran parte de la música que aparece en Renaissance (además de diseñar algunos de sus primeros vestuarios).
En el medio, el espectáculo es narrado por el legendario comentarista Kevin JZ Prodigy, en un homenaje a la subcultura Ballroom que se originó entre las comunidades negras y latinas LGBTQ en Nueva York; mientras Beyoncé canta sobre renunciar a su trabajo y lanzarse de cabeza a una vida de placer hedonista (algo que presumiblemente se permite imaginar una vez al día, justo después del desayuno, antes de tomar un descanso de baile en el momento perfecto).
Todo se suma a un mensaje de aceptación y alegría. Alegría de ser uno mismo, alegría de bailar, alegría de dejarse llevar, alegría de estar juntos.
Tal vez por eso guardó las imágenes para la gira: este es un disco que debe experimentarse en la vida real, con otras personas.
y Beyoncé. Sobre un caballo de lentejuelas.
Fuente BBC News